宜兴紫砂壶常见问题 宜兴紫砂壶常见问题

紫砂壶的种类有很多,但爱壶的人都知道,宜兴紫砂壶是紫砂壶中最好的一种。 那么关于宜兴紫砂壶你了解多少呢? 宜兴紫砂壶有什么特点? 宜兴紫砂壶如何保养壶体? 宜兴紫砂壶常见问题有哪些? 接下来我就一一解答。

目录

1. 博大精深的宜兴紫砂壶 2. 宜兴紫砂壶的历史

三、宜兴紫砂壶出口欧洲特点四、宜兴紫砂壶

5. 宜兴紫砂工艺的传承历史 6. 宜兴紫砂壶的养育艺术

7. 如何寻找宜兴紫砂壶的经典类型 8. 宜兴紫砂壶常见问题20个解答

深邃的宜兴紫砂壶

拍卖市场上紫砂壶的行情十分火爆。 它们是具有收藏价值的“古董”。 著名大师的作品往往很难找到。 俗话说“世间何得珠宝,宜兴紫砂为首”。 紫砂壶是汉族特有的手工粘土工艺品。 原料为紫砂泥,产自江苏宜兴丁蜀镇。 又名宜兴紫砂壶。 自明武宗正德年间起,紫砂壶被制成壶,名匠辈出。 五百年来,精品流传。 相传紫砂壶的创始人是中国明代的龚淳。 自古名壶,从明代正德嘉靖时期的春用树胆壶、六瓣圆壶,到纪汉生创意设计、曹安祥制作的紫砂鸳鸯茶具,可同时泡两种茶——中国龙茶壶,每一款壶都是匠心制作,下足了功夫,让壶更具观赏性。 正因为艺术性与实用性的完美结合,紫砂壶才显得弥足珍贵,令人难忘。 此外,紫砂壶泡茶的好处和茶禅文化更增添了紫砂高贵典雅的魅力。

宜兴紫砂陶器享誉国际已有近500年的历史。 紫砂陶器在中国浩瀚的文物史上有着辉煌的地位,堪称绝妙的艺术品。

明清时期,地处长江三角洲中心的宜兴出产的紫砂器充满了浓郁的文化气质。 它可以说是中国的国宝,也可以说是家喻户晓、人人皆知的。 只要提到宜兴,人们就会谈论紫砂壶。 另一方面,人们只要说起紫砂壶,就会知道宜兴。

在东南亚,如日本、马来西亚、新加坡等国家,早在一二十年前就已经普及,并掀起了一股对宜兴紫砂的炒作风潮,为宜兴紫砂的传播做出了贡献。粘土茶壶。

可以说,经过几千年的不断完善和几代人的接力发展,宜兴紫砂已成为中华民族艺术宝库的“国粹”。 因此,国家领导人经常将宜兴紫砂壶作为国礼赠送给外国元首。 国内人们来宜兴参观时,大多也会购买紫砂壶。

那么宜兴紫砂壶为什么越来越受到海内外人士的青睐和追捧呢? 这是因为宜兴紫砂壶经过近千多年的耕耘,才获得了深厚而珍贵的价值。 当我们的宜兴紫砂发展到特定的历史阶段时,它就不仅仅是一种纯粹的壶艺了,它融合并融合了许多高贵的民族传统技艺。

它集书画、雕刻、篆刻、泥画等艺术于一体。 这样,宜兴紫砂壶的艺术品味就被提升到了一个新的档次和层次,宜兴紫砂壶的收藏价值也大大增强。

宜兴紫砂壶的历史

宜兴紫砂壶始于明朝正德时期。 宜兴紫砂壶造型优美,色彩古雅,是一件艺术品。 另一方面,它又是一款实用的产品。 明清时期,随着瓷器的繁荣,宜兴紫砂艺术也突飞猛进。 邵友兰擅长制作仿古器物,尤其“泥质细腻,质坚如玉”。 所用印章有椭圆形棱“阳羡邵幽兰年制”、棱方方印“幽兰秘制”、楷书“幽兰”二字小印,铭文一般署“二泉”。 。 由于紫砂艺人的印章材质坚固,一般可以使用数年甚至一生,因此印章的鉴定是判断紫砂壶作者的直接依据。

1950年至1960年制作的宜兴紫砂壶是具有明显时代特征的品种。 这一时期的紫砂工艺可以说是紫砂制造技术能够传承至今并发扬光大的重要原因。 1950年代初期,战后,宜兴紫砂从业者仅剩50人左右,制壶老工匠只剩下20人左右。 在人民政府的支持下,老艺人组织合作社,恢复了紫砂壶的生产。 这一时期出现了朱可辛、王银春、蒋蓉、顾景洲、吴云根、裴世民等一批壶艺大师。 这些大师的作品品质精湛,砂质优良,工艺规范,深受壶友们的追捧和青睐。

创始人

一般认为紫砂壶的创始人是明朝正德嘉靖年间的龚淳(Gong Chun)。 ” 于从祖全师公求学于南山,带童子名献泉,见土人以土为缸,再将泥澄清制成壶,十分古朴可爱,故称“壶”。春祭壶。” (吴美鼎:《阳羡》《瓷壶颂-序》)对于春壶,当时的人们赞誉它“栗色深邃,如古今铁,敦庞周正”。 短短12个字,就如同看到了锅。 可惜春盆已经买不到了。 当代宜兴紫砂大师顾景洲先生制作的一件复制品,售价约60万港元,可见春壶的艺术价值有多么珍贵。 大斌和李仲芬被送到春川。 两人与石大彬的弟子徐友全并称为万历之后明代三大紫砂“专家”。

石大彬的紫砂壶造型典雅精致,造型流畅灵动。 它们虽然不追求精湛的工艺,但却巧妙、古朴、典雅、扎实,令人难以置信。 其弟子徐有全晚年自叹:“我的精艺,不会像石大彬那样粗糙。” 徐友泉手艺精湛,擅长以古青铜器造型制作紫砂壶,古朴、庄重、质朴。 相传徐有全幼时师从大彬为师。 他恳求老师为他捏一头泥牛,但石拒绝了。 这时,一头真牛从屋外经过。 徐某急了,抓起一把泥,跑到外面,捏住了真牛。 石氏大赞他,认为他很有才华,便高兴地将绝活传授给他。 果然,原来是自成一家。 以上四位是第一时期的紫砂壶大师。 第二时期的紫砂壶大师是清初的陈明远、惠梦辰。 陈明远用日常生活中常见的栗子、核桃、花生、菱角、箭头、荸荠等形状放入茶壶中。 紫砂壶成为一件活生生的雕塑,充满生机和活力。 同时,他还发明了壶底书写、壶盖内侧印记的形式。 到了清代,形成了固定的工艺流程,对紫砂壶的发展产生了重大影响。 由于陈明远的作品精湛,名声大噪,出现了大量的仿制品和赝品。

顾景舟先生表示,他从幼年受训到晚年,半个多世纪的时间里只见过寥寥几件真品,所以收藏者要特别小心,以免出错。 明末天启、崇祯年间的惠孟臣,善于制作小壶,以小胜大。 孟臣茶壶以竹刀为标志,壶盖上有“永林”小篆书者为精美。 第三期紫砂壶的大师是清代中期嘉庆、道光年间的陈洪绶、杨彭年。 陈洪绶是清代中期著名的书法家、画家、篆刻家。 艺术崇尚创新。 他主张“诗书画不必很精深”,但必须看到“自然之趣”。 他把这种艺术理念融入到紫砂陶器中。 第一个重大贡献是将诗书画与紫砂陶结合起来,用竹刀在壶上题诗刻画。 第二大贡献是,他凭借自己的才华,即兴设计出许多款式新颖的紫砂壶,给紫砂壶的创新带来了活力。 他与杨彭年的合作堪称典范。

我们所见到的嘉庆年间制作的紫砂壶,壶柄和底部均刻有“彭年”或“阿曼托室”二字。 均由陈洪绶设计,杨彭年制作。 后人称其为“曼生壶”。 陈洪绶使紫砂陶艺更加文人化。 制作工艺虽不如明中期那么精湛,但对后世影响很大。 杨彭年首创了捏嘴新技术。 他不需要模具,都是手工制作的,还蛮有趣的。 乾隆以后,随着清朝的衰落,紫砂壶的生产越来越不景气。 值得一提的是,甲道时期的邵大珩是继陈明远之后的一代大师。 其他如邵友兰、邵又廷、蒋德秀、黄玉琳、程守贞等人,实力都逊色不少。 比较保守,很少有创新,生产过程也越来越马虎和冷清。

当代紫砂大师是顾景舟先生。 其余如蒋蓉、徐秀堂、许汉堂、包志强、高海耕、朱可欣、何道红、裴世民、王银春、李长虹、顾绍培、王印贤、陆耀尘、曹安祥、沉亚军、等也都有自己的绝活和专长,而且都是临时性的人才。 宜兴紫砂壶起源于何时? 这在学术界和紫砂爱好者中都是如此。

其他意见

1、宜兴紫砂壶始于宋代。 它以1976年在宜兴丁蜀乡羊角山一处宋代龙窑遗址的发掘为基础,出土了许多紫砂陶残片。 此外,也有文献记载,最早见于北宋文学家欧阳修的“共饮瓯乐,仰慕君王潇洒清纯”的诗句。 梅尧臣也在诗中盛赞它:“小石中寒泉留晨味”、“紫砂新品‘盘春花’”。考古出土的实物与文献记载相互印证,对约会有参考价值。

2、宜兴紫砂壶起源于明代。 这一说法的依据是根据明代高启《阳羡壶系列》创始篇的记载。 金沙寺有位和尚习惯用陶罐,于是他选细土,洗净,揉成锅,放在陶洞里烧,就这样世代相传。一代。 《正史篇》记载,恭春是吴氏子弟,此时吴正在金沙寺读书。 恭春聪明绝顶,从太监、僧侣那里学习了制作紫砂的技术,并逐渐改变了前人的做法。 改为纯手工揉捏的方法,改为木板纺泥,配合竹刀使用。

宜兴紫砂壶是汉族特有的手工粘土工艺品。 原料为紫砂土。 起源于江苏宜兴。 现为宜兴最具代表性的地理标志产品之一。 与其他地理标志产品不同,宜兴紫砂器极具收藏价值。 著名大师的作品往往很难找到。 俗话说“得天下珠宝还不够,而宜兴紫砂最重要”。

宜兴紫砂壶的历史可以追溯到明代。 自明武宗正德年间,紫砂制壶,五百年来,名家辈出。 相传紫砂壶的创始人是明代贡椿。 自古名壶,从明代正德嘉靖时期的春用树胆壶、六瓣圆壶,到纪汉生创意设计、曹安祥制作的紫砂鸳鸯茶具,可以同时泡两种茶——中国龙茶壶,每一壶都是独一无二的。

宜兴紫砂壶的粘土材料有紫砂土、青砂土、红砂土,俗称“富贵土”。 可用来制作紫砂壶的泥一般深藏在岩层之下,分布在泥层之间。 泥层厚度从几十厘米到一米不等。 岩相分析表明,紫砂黄泥属“高岭土-石英-云母”类型,铁含量最大为8.83%。 一般采用扁平烟花接触,燃烧温度在1100-1200℃之间。

宜兴紫砂壶工艺精湛。 光是原材料的加工就需要很多步骤。 将原泥摊放在露天风化,然后先进行破碎、粉碎。 根据产品所需颗粒数进行送风、筛选。 筛分后的泥浆经搅拌机搅拌成泥块。 泥浆经过堆放、熟化处理后,进行真空熔炼,成为制砖用的熟泥。 宜兴紫砂壶成品吸水率大于2%。 据科学分析,紫砂壶确实保留了茶汤的原味。 能吸收茶汁,耐寒耐热。

宜兴茶壶出口欧洲的特点

欧洲宜兴茶壶有两个特点:一是表面有装饰,二是壶身很小。 这是因为当时欧洲茶叶的价格并不便宜,无法与中国国内的价格相比。 17世纪末的欧洲,1公斤好茶相当于今天的1500欧元。 因此,至少在1675年至1700年期间,大多数茶壶的容量在300cc至400cc之间。 到了18世纪上半叶,欧洲的茶叶价格因大量进口而下跌,再也没有恢复过来,因此茶壶的容量也随之增大,达到1000cc,有时甚至更大。 至于茶壶表面的装饰,有趣的是,它们都是典型的中国文化内容。 但这种装饰绝非迎合当时中国人的审美需求,而是与欧洲人的巴洛克情结相匹配。 这些装饰内容大多取材于佛教、道教故事。 这些象征性的装饰形式对于大多数欧洲人来说都充满了神秘感,但这些紫砂器皿所承载的这种来自世界另一端的异国情调和神秘风格的装饰足以满足欧洲人的好奇心。 一些标志性的紫砂壶,一旦确定年代,就非常能代表这一时期的具体装饰。 这对我们来说确实是幸运的。 我们注意到,在欧洲,茶壶装饰风格流行的时间比在中国短,这对我们的研究很有帮助。 因此,一些以前从未见过的装饰手法,可以准确地判断出它们所处的年代。

相似色装修

第一个使用这种装饰技术的标志性茶壶是明代的茶壶,现藏于伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆。 其年代十分准确,可视为最早使用这种装饰手法的茶壶。 这是一个红陶罐,上面用同色粘土装饰着一枝盛开的梅花。 壶底由名师惠梦辰题写,并刻有中国农历年号,相当于公元1627年。 虽然我不认为这个锅是为了出口而制造的,但金属包装似乎是在欧洲添加的。 这种金属包覆的装饰方式在18世纪初不再出现,但却见证了欧洲早期进口茶壶的历史。 上述的装饰手法就是我所说的同质装饰,并且在很长一段时间内非常流行,我们在许多欧洲宜兴壶上以及在南非海岸附近的荷兰东印度公司沉船上都可以看到它,例如例子可以在“Osterland”(1697 年沉没)和“Geldemarsen”(1713 年沉没)两艘船中看到。

对比色装饰

(例如:红色或棕色背景上的黄色装饰)我们注意到,这种装饰在1721年至1723年德国奥古斯都·赫拉克勒斯的茶壶收藏记录清单中并不具有代表性。然而,我们在1752年沉没的“Geldemarsson”号轮船。因此,我们可以推断这种装饰流行于1725年至1750年或者更晚的时期,而且这个推论应该不会相差太大。

法郎色(点色)装饰

在奥古斯都·赫拉克勒斯收藏中,用这种方法装饰的茶壶并不具有代表性,但我们都知道,这种装饰方法最早是在清代康熙年间,即1720年左右,由北京宫廷作坊采用的,装饰者只有法国皇帝。他的大臣们可以收集茶壶。 这种装饰在18世纪中叶的欧洲曾流行过一段时间,但我还没有发现真正标志性的茶壶。

模压装饰

这种装饰方法主要用于大规模生产,但至于何时首次采用,还有待更多史料发现,以厘清其年代。 我们从1697年沉没的“奥斯兰”号船上就已经可以看到这样装饰的茶壶了。据我所知,比较具体的是一件六面模压装饰的六面双龙茶壶。 关于此壶的造型和装饰,有资料显示,1709年左右,德国陶艺家波特格仿制了数款壶。 《茶与巧克力的享受》一书的插图中也有描述。 1675年至1700年间,来自欧洲的茶壶订单要求茶壶的款式完全相同,并采用模压装饰方法。

镂空(玲珑)装饰

这种装饰在中国也被称为玲珑装饰。 看来最早出现在明代景德镇瓷器中。 17世纪初,宜兴的陶工也开始使用这种方法。 首先是壶的一些部位,如镂空壶的壶盖,后来,镂空装饰不仅出现在壶盖上,也出现在壶身上。 这些镂空装饰的欧洲宜兴茶壶制作于 1700 年至 1725 年间。

粘土装饰

这种装饰方法在1700年至1725年间出口到欧洲的宜兴茶壶上可见一斑,1721年德国国王奥古斯都·赫拉克勒斯编纂的收藏清单中的几个例子就证明了这一点。粘土、紫粘土、黑粘土或深绿色粘土。

如果我们将宜兴的出口产品与景德镇的出口产品进行比较,景德镇瓷器上装饰的是从欧洲版画和绘画中复制而来的纹章和西方人物,而这些在欧洲宜兴壶的装饰中从未出现过,为什么呢? 但这个问题仍然很难回答。

宜兴紫砂七老

顾景舟 壶艺大师

顾荆州(1915年10月18日—1996年6月)原名荆州。 早年曾用艺名“武陵异人”、“寿平”等,晚年则更喜欢用“老平”。 宜兴川步袁村人。 幼年就读于蜀山坡书院。 成年后,他跟随祖母邵氏打坯。 由于才华出众,他也受益于家族制壶师的教诲。 20岁左右,他成为一位盆艺大师。 20世纪30年代末,我应邀到上海仿制古茶壶。 每次遇到历代名著,我都反复研读、钻研,功力更加精进。

顾景洲1954年加入宜兴蜀山陶瓷合作社。1956年被江苏省政府任命为技术参赞。 1959年任宜兴紫砂厂技术研究室副主任、技术部副科长。 1988年4月,中华人民共和国轻工业部授予他“中国工艺美术大师”称号,他是紫砂史上第一位获此殊荣的紫砂艺术家。

顾景舟大师被公认为紫砂界大师、壶艺领军人物。 他为紫砂艺术的传承和发展做出了巨大的贡献。 他一生致力于梳理紫砂艺术数百年的发展史。 他是当代紫砂文化的集大成者。 他的作品让世人充分领略了紫砂的精神、气质和神韵,代表了一个时代的巅峰。 已故著名艺术大师亚明先生生前曾评价:“紫砂自明正德至今已有五百多年,大师仅十余人,顾景舟兄堪称现代大师。”能看到哲学精神、文学气息、绘画神韵。”

随着艺术市场的繁荣,顾景舟的作品自20世纪80年代以来一直引领着紫砂艺术市场的发展。 20世纪90年代中期,顾景舟创下了单幅作品突破百万元的纪录。 绘画在当时艺术界的记录、市场定位,只有吴冠中、陈逸飞、范曾等领军人物的作品才能达到。 近两年来,顾景舟大师作品的市场成交额屡创新高。 2009年秋季拍卖会上,“提比茶具”创下了300万元以上的市场纪录,“咖啡具”也以200万元以上的价格成交。 2010年春季拍卖会上,顾景洲大师、吴湖帆大师的《相明石勺》一举创造了1232万元的成交纪录,成为宜兴历史上继徐悲鸿、吴冠中作品之后的又一艺术品,其中突破1000万元。 为紫砂艺术的价值认知树立了新的标杆,艺术界和收藏家对紫砂艺术的内在价值和市场空间有了新的认识和更深的认识。 顾景洲的《上新桥壶》也以448万元成交。 据粗略统计,2010年春季拍卖会上,仅嘉德、保利的顾景舟作品总成交额就达约3400万元。 这也是市场对顾景舟一生艺术成就的总结。

任甘亭

任干亭,1890年出生于宜兴路平村,原名前亭。 字窑主。 号聋,大聋,左敏,左腕道人。 艺名是世熙和漱石。

1905年,任干亭拜宜兴民间书画家、紫砂塑彩画大师陆兰芳为师。 他不仅学习了书画技艺,还学习了紫砂雕刻技艺。 师兄陈少霆对任干霆非常关心和保护。 他对画作的布局、山水、花卉、塔楼、亭阁、人物的基本技法毫不保守,一一传授给任干亭。 任干婷从小就耳聋,经常被陆兰芳骂听不清。 陈少霆将一切重新解释清楚,仿佛他很爱弟弟。 任干亭后来被昵称为“大聋子”、“聋人”,以纪念这段时期的过程以及他对师兄陈绍亭的深厚感情。

1911年,陆兰芳受聘为上海永安公司专职画师,任干亭逐渐独立,以雕刻、绘画为生。 任干亭创立之初,主要以普通紫砂器皿为陶雕、绘画,也以陶雕装饰仿古器物。 1916年,创办“宜兴吴德胜陶器店”。 老板吴汉文是著名陶艺雕刻家、收藏家、管理者、陶作坊老板。 “吴德胜”成立之初,聘请邵云如、卢兰芳、崔克顺、陈彦庆、陈绍廷等为客座陶雕师,聘请任干亭为陶雕技师。 吴瀚文对宝藏有着敏锐的眼光,也爱上了任干霆沉默寡言、沉浸其中的性格,并逐渐开始培养。 任干亭本来就是左撇子,用左手写字画画理所当然。 到达吴德胜后,吴汉文让他练习用右手。 经过刻苦训练,任干亭练就了双手书画雕刻同时进行的“绝活”。 尤其是在同一件器物上作成对飞禽走兽,或在成对器物上作成对飞禽走兽时,任干亭能同时用左右手创作出对称的画作,这是其独门绝技之一。在紫砂陶雕的世界里。

解放后,任干亭加入“蜀山陶瓷生产合作社”,担任技术指导员,精心培养艺术学徒。 此后,任干霆进入了第二个创作高峰期。 20世纪50年代至60年代,任干亭创作了大量题材多样、寓意吉祥的紫砂陶雕。 它们具有雅俗共赏的民间艺术特点和风格,为陶雕艺术增添了新的场景、新的内容。 ,对生活有了新的兴趣。 《婆媳上冬学》《解放一江山岛》描写了时代事件,具有鲜明的时代特征。 《喜眉》《春燕画筒》将他对生活热爱的真情融入到陶雕装饰中。 情感细腻,刀法纯熟,线条流畅,情、物、画融为一体,协调大方。 。 《渔船听莺》、《冬梅鹊图》因其画面生动、活泼浓郁、创意独特而被南京博物院收藏。

当今紫砂陶艺界的徐秀堂、谭全海、毛国强、沉汉生、冼忠英、鲍忠美等都曾受过他的技艺和教诲。 1968年,任甘亭在宜兴蜀山病逝,享年78岁。

德艺双馨 吴云根

吴云根,原名芝莱,1892年11月出生于宜兴河桥镇一个贫困家庭。 14岁时,他到蜀山拜著名紫砂艺人王生义为弟子。 他勤奋,有才华,有很高的悟性。 三年学徒期满,在业界名声大噪,逐渐成为著名的紫砂大师之一。

1915年,山西省平定县平民陶厂到宜兴聘请名匠来山西任技术人员,发展当地的陶业。 吴云根成为宜兴陶瓷行业首批外省聘请的技术人员之一。 吴云根利用山西当地的窑炉烧制了类似宜兴紫砂的山西陶器,还多次为阎锡山仿制宜兴壶。 吴云根在山西平定县当了三年技术员,为山西陶瓷产业的发展发挥了较大的作用,培养了一批当地的制陶技师。

1929年,吴云根受聘到南京中央大学陶瓷系任技术员。 他还结识了民国时期的紫砂职业教育家、江苏省陶瓷学校校长王世杰。 1931年受聘为江苏省立陶瓷专科学校陶瓷系技术员。 。 在此期间,他还推荐了自己的师弟朱可欣加入学校,担任技术员。 两人共同总结前人经验,在王世杰校长的支持和帮助下,编写了紫砂土技术教材,为当时紫砂泥制作技术的教育做了大量的工作。

解放后,吴云根加入蜀山陶艺生产合作社,成为宜兴紫砂工艺厂的主要创始人之一。 1955年11月开始,紫砂厂开始招收第一批学员,吴云根担任紫砂造型技术指导员。 学生有高海庚、王红军、王亚杰、史继华、包秀云等。

1956年,江苏省人民政府郑重任命七位著名紫砂艺术家为“技术顾问”,这在当时是一项非常高的荣誉,吴云根就是其中之一。 当今中国几位最具造诣和影响力的工艺美术大师,如王引贤、陆尧辰、包志强等,都曾受过老艺术家吴云根的言传身教。 这也可见吴云根对当今紫砂艺术圈的深远影响。

Wu Yungen is upright by nature and has a stubborn temper. He likes to uphold justice and speak outrightly, but at the same time he is kind-hearted, generous and kind. In terms of artistic achievements, the so-called pot is like a person, and Wu Yungen’s works also show a gentle and steady, simple and elegant demeanor. He has comprehensive skills and is good at the creation of various types of utensils such as light ware, flower goods, tendon ware, etc. He is especially good at bamboo goods with unique style. His representative works such as “Bamboo Segment Lift Pot” are handed down as classics. Another of his works, the “Line Round Pot”, one of the masterpieces of bare goods, shows his exquisite understanding of points, lines, surfaces and bodies. It is simple and elegant, and is the best work in modern times. One of the classic models of purple sand light goods.

Throughout his life, Wu Yungen was upright, generous and kind-hearted, and sincere to others; he took the overall situation into consideration at work, was dedicated to his duties, and had no sectarian views; in art, he learned from the strengths of others and achieved outstanding results. He was well-known in the pot world, and had the reputation of “having a reputation that extends to his teacher.” How many people” praise.

Wang Yinchun

Wang Yinchun (1897-1977), his ancestral home was Zhenjiang, Jiangsu, and his parents settled in Shangyuan Village, Yixing. When he was 13 years old, he worshiped Zhao Songting as his husband and followed Jin Ashou as his teacher in his pottery workshop. 当了3年老师后,他来到窑户当了一名制坯老师。 Since 1921, because of his excellent craftsmanship, Shanghai customers have been customizing various horizontal pots from him for a long time. He stamped the bottom of the pot with the seal “Yangxianxixiyinshiwang” and the seal “Yinchun” on the lid. Famous in Shanghai. Later, Pan Zhiliang, a seal engraver in Jinshi in Shushan, engraved “Wang Yinchun” as a gift. He cherished this seal and used it all his life to engrave it on the bottom of the pot.

In the mid-1930s, Wang Yinchun went to Shanghai to imitate purple sand ancient wares for the antique dealer Gong Huaixi. He repeatedly figured out the modeling characteristics of classic works by famous artists in the past, studied the production techniques of the ancients, and successfully copied the works of Shi Dabin, Xu Youquan, Chen Ziqi, and Chen Mingyuan. Waiting for everyone’s works, also achieved their own artistic attainments. The teapots made by Wang Yinchun are graceful in shape, neat in shape, smooth and harmonious, with tight seams on the lids, so they are called “Yinchun teapots”. Wang Yinchun’s pot making is good at meditation and ingenuity rather than blindly sticking to the rules. Once, the “Wu Desheng” pottery company had a business limit on delivery of 300 small flower pots within two months, but no one dared to accept it because the contract stipulated that there would be fines for late delivery. Wang Yinchun was inspired by the ancient molding method of “cutting wood as a mold” and created a method of using wood molds to enamelled blanks, which improved work efficiency and made the shape of the flowerpot more precise and straight. In the mid-1930s, when he was imitating ancient purple clay vessels for the antique dealer Gong Huaixi, Wang Yinchun, with the help of Gong Huaixi, asked German experts to specially make prototypes of the flaps and other parts in order to make the mouths of the purple clay ribs fit more tightly. The model is made of thin metal sheet, which is highly precise. At that time, there was no equipment and technology in China to make it. It should be said that this played a great role in Wang Yinchun’s ability to leave behind many works of purple sand rib pattern wares handed down from generation to generation. It also proves that the practice of purple sand creation should be the same as in any industry. Only by following the past, being brave in innovation, and being good at learning and absorbing advanced technology can we gain new gains.